Zdá se, že figurální malba je předurčena k tomu, aby se stala trvalou součástí současného umění: je vždy k dispozici na plácnutí, nikdy ne na příliš dlouho. Naposledy se člověk mohl přiznat k vášni, aniž by v uměleckém světě spáchal sociální sebevraždu, pravděpodobně kolem roku 2003, kdy měl malíř John Currin svůj průzkum v polovině kariéry ve Whitney Museum of American Art v New Yorku. Currin, známý tím, že vkládá nové nápady do prastarých obrazů těla, byl hezký, úspěšný a mladistvý. Jeho vrstevníci byli také na místě: Elizabeth Peytonová se motala kolem Marca Jacobse a George Condo ošálil sběratele chlípnými portréty. Rok před Currinovou retrospektivou byla otevřena výstava kurátorky Alison Gingeras v Centre Pompidou v Paříži s názvem „Drahý malíři, namaluj mě… maluji postavu od pozdní Picabie“. Jak poznamenala kritička Roberta Smith v The New York Times, „zprávy o smrti malířů byly zveličené po dobu asi 30 let.“
Když jste tu tak dlouho jako Tizian, jste v neustálém nebezpečí, že vyjdete z módy – zvláště poté, co Picasso zobrazil tělo způsobem, který se nakonec zbavil realismu a uvolnil místo abstraktnímu umění. I Gingeras přiznává, že musela překonat vlastní předsudky. Když si kurátorka prořezávala zuby ve Whitney’s IndependentVzpomíná si, že když Muzeum moderního umění v roce 1997 uspořádalo show pro tři osoby, v rámci studijního programu, kolem vodního chladiče to syčelo, vystupovali Currin, Peyton a Luc Tuymans, jejichž stylistické cítění bylo považováno za reakční. "Lidé to prostě nedokázali překonat," říká Gingeras se smrtelnou vážností. "Nebylo v pořádku se mi to líbit."
Ale teď je lidská postava zase v pořádku. Poté, co MoMA PS1 loni na podzim otevřelo své pětileté výročí „Greater New York“se znatelným množstvím talentovaných mladých figurativních umělců, web Artspace jásal: „Postava je zpět, zlato!“O čtyři dny později, během Frieze Art Fair v Londýně, The New York Times zatroubil: „Triumfální návrat figurativního umění“. A v prosinci, během Art Basel Miami Beach, spojili über-dealeři Jeffrey Deitch a Larry Gagosian své síly, aby uspořádali okázalou, tržně přátelskou show figurativní malby a sochařství. Pod názvem „Unrealismus“vystupovaly jak staré ruce, jako je Marlene Dumas, tak vycházející hvězdy jako Mira Dancy, známá oživením ženského aktu elektrickými barvami a feministickým pohledem.
Co tedy umělecký svět najednou vidí v té nejzákladnější myšlence, obrazech lidí? Mohl by to být jednoduchý případ nepřítomnosti, při které se srdce zamiluje. „Je to bizarní,“říká Deitch, bývalý ředitel Muzea současného umění v Los Angeles, který znovu otevřel svou newyorskou galerii v SoHo. "Vždy se najdou dobří figurativní malíři, ale řekněte mi, kdy jste naposledy viděli velký průzkum figurativní malby v americkém muzeu?"
Když Deitch jako prvnípřišel do MOCA v roce 2010 a měl v úmyslu provést dva velké průzkumy: Jeden se týkal figurativní malby a druhý abstraktní malby. Realizována byla pouze továrna na malování: Abstrakce po Warholovi. „Rozhodl jsem se to udělat jako první, protože tou velkou, novou vzrušující věcí byl celý tento úspěch v abstrakci,“říká.
Postavte velkou muzejní show a napodobitelé budou následovat. Inovace na této vlně abstraktní malby – a samozřejmě býčí trh pro tuto vlnu abstraktní malby, včetně děl Wadea Guytona, jehož obrovské „obrazy“jsou vytlačovány z inkoustových tiskáren, vedly k výronu odvozených „procesních” art (Hele, tohle plátno jsem nastříkal hasicím přístrojem!). Nevýrazně pohledná a až příliš bohatá taková sběratelská návnada inspirovala mnoho barevných přezdívek – „crapstraction“je osobní oblíbenec – ale nejtrvalejší je „zombie formalismus“, který vytvořil umělec a spisovatel W alter Robinson (který, to musí je známý svými figurativními malbami).
„Tělo v krizi je stále více přítomné v našem každodenním životě,“poznamenává kurátor MoMA PS1 a přidružený ředitel Peter Eleey, který vedl kurátorský tým „Velký New York“v roce 2015. „Ať už se to týká situace uprchlíků“– neupřesnil jakou, ale je jich spousta – „nebo způsobu, jakým média zpracovávají Black Lives Matter, abstrakce je pro nás pohodlná –. Ale nedává tvar nepříjemnostem a otázkám, se kterými si myslím, že mnozí z nás zápasí.“Deitch sekunduje, že a dodává: „Toto není doba, o které by maloval těžkopádný Mark Rothkomýtus je relevantní." Troufá si, že figurativní malba umožňuje rozmanitější kulturní obsah – oblečení, barvu pleti, prostředí – než kdy může abstrakce.
To se zdá logické a mohlo by to vysvětlit rychlý vzestup, řekněme, Jonase Wooda, 39, jehož intenzivní zkoumání textur a barev jeho domácího života s manželkou, keramičkou Shio Kusaka, zní jako memoáry. Když ale nápad navrhnu losangeleské malířce Njideka Akunyili Crosby (33), jejíž práce si hodně vypůjčuje z každodenního života v Enugu v Nigérii, kde vyrůstala, zaváhá. "Jen se bojím postavit abstrakci a figurativismus proti sobě," říká. „Když jsem začínal, lidé si říkali: ‚Proč děláš figurativní malbu? Je po všem.‘Ale místo toho, abychom to opustili, stala se z toho nová výzva: Jak to udělat, aby to teď bylo relevantní?“
Ve své práci Akunyili Crosby, která měla samostatnou výstavu v Hammer Museum v L. A., zavádí cizí prvky, jako jsou vzory z nigerijských textilií, do známého způsobu malby (je inspirována 17. španělští malíři jako Diego Velázquez). „Nyní je větší svoboda nejen ve způsobu, jakým dílo vypadá, ale i co se týče ideologie,“říká Gingeras. „Člověk si může půjčit z mnoha zdrojů. Všechno je legitimní."
Vezměte si módní ilustraci, která až do doby, kdy ji nové hvězdy jako Ella Kruglyanskaya (37) přetvořily, byla přinejlepším považována za sousedící s uměním. Když jednoho rána navštívím Caitlin Keogh v jejím studiu v Brooklynu, spěchá dokončit jeden ze svých nádherně ženských obrazů, které připomínají módní ilustrace 30. let, kdySurrealisté jako Salvador Dalí a Jean Cocteau to hrdě praktikovali. Ve 34 letech si Keogh přijde na své: Minulý rok měla úspěšnou sólovou show v galerii megadealer Mary Boone v centru Manhattanu a letos byla součástí dobře hodnocené skupinové výstavy „Flatlands“ve Whitney. Odmlčí se od své práce, aby mi vyprávěla příběh z doby, kdy byla na umělecké škole v Cooper Union: Jednoho dne instruktor přinesl slavný příběh Cecila Beatona Vogue, ve kterém modelky pózují před obrazy Jacksona Pollocka. Třídě to bylo prezentováno jako hanebná vysoká abstrakce tažená bahnem komerční figurace. Keogh tiše, s přesvědčením, říká: „To mi přišlo falešné.“
A když se zastavím na chatu s Jamian Juliano-Villani, 29, podaří se mi zaplnit stránky mého zápisníku seznamem všech podivných a úžasných odkazů, které umístila do svých hustých obrazů tak volně, jako by byly klipart: Jean-Michel Basquiat; Jehněčí kotleta; „Umělecká kniha Franka Sinatry“; Asterix; Umění loutky, Bil Baird; „chleboví lidé“; Will Eisner; „ta reklama Johna Cleese“; a tak dále. "Někdo se teď dívá na obraz, je to jen na tři nebo čtyři sekundy," říká Juliano-Villani. "Což není nic." Takže se na ně trochu vykašlu, aby se na ně podívali." I když nesouhlasí s názorem, že dnešní umělci přizpůsobují svá díla estetickým požadavkům Instagramu, její postavy vznášející se v plochém prostoru mohou vypadat, jako by byly upraveny ve Photoshopu.
Zploštění figury – „Flatlands“, které se na to zafixovalo, také představovalo Juliana-Villanihopráce – je produktem toho, jak ji vidíme dnes. „Ten nápad mě právě teď opravdu zajímá,“říká Jonathan Gardner, 33, jehož uhlazené stylové scény postav ve volném čase vypadají plochě, ale mají klamnou hloubku trompe l'oeil, připomínající dílo Fernanda Légera.
I když obecná moudrost říká, že čím plochější a grafičtější obraz vypadá, tím více „lajků“získá, existují světlé výjimky: Ještě před třemi lety se Genieve Figgisová (43) dřela v malém město v Irsku produkující ďábelská kostýmní dramata se zasněným, rozmazaným vzhledem, který je výsledkem nanášení husté barvy na plátno. „Posledních 12 let jsem jen slyšela zpětnou vazbu od své rodiny: ‚Jsi blázen, jsi blázen, budeš zavřený!‘,“přiznává se smíchem. "Proto jsem dal práci na sociálních sítích, abych viděl, co by se stalo, kdyby to viděli ostatní." Richard Prince ji objevil na Twitteru v roce 2013 a od té doby má Figgis velké samostatné koncerty v New Yorku a Londýně.
Vzhledem k tomu, že umělecký svět má krátkou paměť, může být užitečné poukázat na to, že někteří umělci, kteří se v poslední době stali žhavým zbožím, ve skutečnosti dělají podobnou práci už léta. Například malíř Brian Calvin (46), jehož portréty svůdných flákačů jsou v současnosti velmi žádané, těžil tuto žílu dávno předtím, než ho Gingeras zařadil do „Dear Painter“v roce 2002.
Je to lekce, která, jak se zdá, vyžaduje opakování každých pár let: Přes všechny ty řeči o smrti figurativní malby tváří v tvář technologiím a novějším pohybům lidské tělo nikdy nepřestane fascinovat, ani nepřestaneumělci si s tím nikdy přestanou hrát. Keogh mi řekl, že tělo „je místem působení“. Zhruba přeloženo z artspeaku to znamená: Zapojte tělo a lidé budou reagovat. Gingeras, která uvažuje o pokračování své show Pompidou, srdečně souhlasí: „Figurativní malba může být populistická – víte, vaší mámě se může líbit. Ale to může být také místo jejího přestupku.“
Fotky: Go Figure! Nemoderní umělecký trend se vrací
